COLECTIVO CINÉFAGO SE VA DE VACACIONES!

COLECTIVO CINÉFAGO se va de vacaciones por tiempo indefinido. Aun asi la diversión y el delirio siguen en el SUPERBLOG, el Blog Personal de Carlos Serrano. Podeis visitarlo en el siguiente link:

http://ssssuperblog.blogspot.com/

TOP 10 - ALFRED HITCHCOCK (DE RADIOMANHEAD)

Alfred Hitchcock es indudablemente junto con Steven Spielberg el director mas popular de la historia del cine, innovador, influyente, arriesgado, medio chiflado y carismático son algunos de los calificativos que perfectamente pueden aplicar para describir a este personaje irrepetible de la historia del cine. No he visto toda la filmografía de Alfred que llegan a ser fácilmente mas de 50 filmes, pero si he visto un porcentaje bastante elevado, así que basándome en las que he visto me he tomado la libertad de colocar mis 10 películas favoritas del genio ingles:

10. – 39 Escalones (The 39 Steps, 1935)

La obra cumbre de su etapa inglesa donde sentó con brillantez la base de mucho de sus trabajos posteriores: la idea de un hombre inocente que huye de la justicia.


9.- Cortina Rasgada (Torn Curtain, 1966)

Una de las películas mas injustamente menospreciadas del maestro, a mi parecer se trata de un entretenidísimo trabajo de espionaje, donde Hitch demuestra varias de sus habilidades con la cámara. Protagoniza un estupendo Paul Newman acompañado de la carismática Julie Andrews, una actriz que Alfred no quería para el papel principal pero que le fue impuesta por el estudio; pienso que termina haciendo un buen trabajo.


8.- La Soga (Rope, 1948)

Ambiciosa y adelantada a su época, contiene posiblemente el plano secuencia mas largo y complejo de la historia del cine, además posee diálogos ingeniosos y actuaciones de primer orden encabezadas por el siempre genial James Stewart y John Dall.


7.- Yo Confieso (I Confess, 1953)

Un extraordinario Montogmery Clift interpretando a un atormentado sacerdote lleva el liderazgo de este profundo y complicado filme no exento de polémica ni controversia, todo un manjar cinematográfico.


6.- La Ventana Indiscreta (Rear Window, 1954)

Innegable demostración del increíble talento de un cineasta irrepetible imitada hasta la saciedad, Hitchock consigue crear un estupendo ambiente de suspenso con el balcón de un edificio como único escenario, dando toda una lección de cine; James Stewart vuelve a estar genial en la protagonización.


5.- Con la muerte en los Talones (North by Northwest, 1959)

El paradigma del falso culpable, la máxima expresión de un hombre común en una situación extraordinaria, Cary Grant esta insuperable y Eva Marie Saint irresistible, esta llena de secuencias míticas y situaciones borde, siempre aderezadas con inteligente sentido del humor. Una película irrepetible.


4.- La Sombra de la Duda (Shadodw of a Doubt, 1943)

La película favorita de Hitchock y uno de sus trabajos psicológicamente mas trabajados, la doble cara de las personas, la importancia de las apariencias, la inocencia perdida e incluso algunas alegorías incestuosas se hacen presentes en este genial e injustamente olvidado filme.


3.- Rebeca (Rebecca, 1940)

La primera película de Hicthcock rodada en Estados Unidos y para muchos la mejor de toda su filmografía, Laurence Olivier y Joan Fontaine bordan sus trabajos, fue además el filme donde se mostró por primera vez en su máxima expresión la ingeniosidad de Hitch para dotar a sus películas de un increíble tratamiento psicológico y de su capacidad para crear ambientes terroríficos; vamos, una obra maestra.


2.- Psicosis (Psycho, 1960)

Se dice que con Psicosis Hicthcock experimentó y agotó todo lo que puede dar un filme de suspenso a partir de allí solo existen las imitaciones y las películas inspiradas en ella, es difícil saber que tan cierta es esta afirmación pero pocas dudas me caben de que Psicosis es la mejor película de suspenso puro de la historia (al menos de las filmadas en Norteamérica), la cinta tuvo un enorme éxito de taquilla cosa bastante extraña siendo este un filme casi experimental.


1.- Vertigo (Vertigo, 1958)

Considero a Vertigo la obra cumbre de Hitchock y una de las 10 mejores películas de la historia del cine, una delicia, profunda, romántica, compleja y enigmática, pero también difícil de ver y asimilar, estaríamos horas hablando de ella por lo que resulta mucho mas fácil recomendarla a todo cinéfilo que aún no la haya visto, solo por ver a James Stewart y Kim Novak juntos ya vale la pena.




Se que me he dejado por fuera algunas joyas como Marnie, Los Pajaros,Crimen Perfecto o Extraños en un Tren entre otras, pero estas 10 películas que acabo de nombrar aquí son básicamente mis preferidas del maestro ingles hasta ahora, tal vez con el tiempo vaya modificando esta lista.

By RADIOMANHEAD

SCREAMERS: THE HUNTING (ASESINOS CIBERNÉTICOS 2)

Últimamente parecen estar de moda las secuelas tardias de pelis de culto. Hace unos dias hablábamos de la secuela de Nunca Juegues Con Extraños, ahora toca hablar de Screamers: The Hunting secuela de Screamers (aqui conocida como Asesinos Cibernéticos).

Asesinos Cibernéticos (1995) es un film de culto por méritos propios. Si recordais estaba protagonizada por Peter Weller (el mítico Robocop) y la historia se basaba en el relato Second Variety de Philip K. Dick. El guión original del film era de Dan O'Bannon que estuvo trabajando en él desde 1981. Finalmente cuando se hizo la peli el guión lo firmó junto a Miguel Tejada-Flores (guionista de La Revancha de los Novatos y Noche de Miedo 2 que estuvo en su dia colaborando activamente en los bodrios de la Fantastic Factory española). Junto al potente guión (que difiere bastante del relato original) el film cautivaba por su ambientación puramente sci-fi, sus buenos FX y sus actores carismáticos. Una delicia para fans del género y para cinéfagos de pro. Ahora 14 años después nos llega una secuela donde vuelve a participar el guionista Miguel Tejada-Flores y algunos productores del primer film.

(Pedazo de Screamer que si te pilla te destroza!)

Quien espere un bodrio cutre y sin interés se llevará una gran sorpresa con este film pues Screamers: The Hunting aun siendo una Serie B pura y dura (de ahi también su encanto) cuenta con algo muy raro en estos dias: un guión con ideas y cosas que ofrecer. Si, la historia que nos cuentan ahora sucede 13 años después de los hechos del primer film. Durante ese tiempo la Tierra no ha sabido nada del planeta Sirius 6B pero de repente reciben un mensaje de auxilio del planeta y mandan a un pelotón bien armado para investigar el asunto y rescatar a los supervivientes. El problema es que solo tienen seis dias para el rescate porque se acerca una lluvia de meteoritos que va a asolar el planeta y matar a todo bicho viviente. Cuando llega el pelotón al planeta se encuentra con algunos supervivientes bastante asilvestrados y con la desagradable sorpresa de los...Screamers!

Si, hay detalles que emparentan el film con Aliens, El Regreso (incluso tiene un pequeño papel el mítico Lance Henriksen) pero el guión está muy currado y profundiza en la naturaleza de los Screamers y en su nueva evolución. Los que vieron el primer film sabrán que los Screamers solo eran unos cacharros de metal que servían para patrullar pero que acabaron teniendo vida propia y llegaron a crear réplicas de humanos! (lo cual emparentaba el film con Terminator sin ir más lejos!)

En Screamers: The Hunting los Screamers han dado un nuevo e inquietante paso en su evolución. Ya no hace falta crear réplicas humanas sino que basta con poner algunos implantes en un cuerpo humano para pasar a ser un híbrido al servicio de las máquinas!

En fin, la peli tiene un potente prólogo con sus buenas dosis de gore (el gore de todo el film no es solo potente sino además imaginativo y bien dosificado, lo que hace de la historia algo aun más fascinante) y los actores no están nada mal (sobre todo la morbosa Jana Pallaske y sus labios carnosos! Esta actriz y cantante de rock alemana la veremos en el próximo film de Tarantino, por cierto), el reparto lo encabeza Gina Holden (a la que ya vimos en la secuela de Aliens Vs Predator) que aqui hace de hija del prota del primer film (o sea, del personaje de Peter Weller) y que también está muy maciza.

(Gina Holden en plan sexy sin el uniforme militar del film)

Resumiendo: un entretenido e interesante film, fascinante por momentos, con un guión con ideas y una realización deliciosa de Serie B. Una joyita de culto ideal para verla en doble sesión con el film original.

(La morbosa Jana Pallaske con su banda rockera)

By Carlos Serrano

THE UNINVITED (2009)

AUNQUE LA PELI NO SE ESTRENA HASTA EL MES DE MAYO EN ESPAÑA NOSOTROS YA LA HEMOS DISFRUTADO!!!

Los hermanos Charles y Thomas Guard se estrenan en esto de los largometrajes (tras algunos cortos) y se juntan con tres guionistas de medio pelo para juntos todos unir sus escasas neuronas y parir un remake del film coreano Janghwa, Hongryeon (que aqui se tituló Dos Hermanas y que era un puto plagio de El Otro de Robert Mulligan dirigido por el papanatas de Ji-woon Kim). Bien, pero es que el argumento del film y todo lo que lo rodea me importa un cojón y parte del otro. A mi lo que me interesaba era ver a Emily Browning en su nuevo film de horror (tras haberla visto en pelis como Ghost Ship, En La Oscuridad, etc) con esos ojazos y esos labios carnosos que Dios le dió. Y si nos fijamos solo en eso este film puede hacer muy feliz a todos los fans pajilleros de la chica. Porque si hablamos del film pues ya os imaginais que el bodrio no hay quien se lo trague (más si el final sorpresa ya lo conocemos de antemano, lo que hace más burda la peli que carece de toda sutilidad)

Las pelis con final sorpresa al estilo El Sexto Sentido están ya muy vistas, ya no sorprenden a nadie y son todas iguales (cuando llegan al final, tras la sorpresa, nos endosan unos flashbacks para ver que todo encaja con esa mega-sorpresa final, como si fueramos subnormales!) y esta está hecha de la manera más carnícola y sin un ápice de talento u originalidad. Pero como digo eso importa poco mientras esté en pantalla todo el rato Emily Browning (que además aqui se hace acompañar de Arielle Kebbel, otra maciza que hace de su hermana), más aun cuando contempleis esa escena donde su madrastra le quita la ropa y la deja en paños menores! Emily Browning en sujetador y braguitas no es apta para cardiacos!

(¿Quien no se follaria, por el culo, a estas dos morbosas hermanitas...a la vez?!!!)

Aun asi el epílogo me resulta interesante pero si estas cansado de pelis-basura con final sorpresa como Alta Tensión o El Maquinista es muy posible que te aburras con este artefacto, y al fin y al cabo todas no son más que variantes de ese mito clásico que es Psicosis.

Si no eres fan de Emily Browning puedes ahorrarte su visionado, si lo eres tienes que tenerla ya en tu colección!

(Emily Browning una de las actrices más bonitas del cine actual)

By Carlos Serrano

EL INCREIBLE HULK (2008)

Se ve que la Casa de las Ideas quedó algo descontenta con ese Hulk repleto de psicología freudiana y filosofía zen que se sacó de la chistera Ang Lee ahora hace cinco años, un Hulk que no funcionó en taquilla y que a mí personalmente me encanta, pero reconozco que se aleja bastante del cómic del que proviene. Con el boom superheroico que estamos viviendo en los últimos años, la peli de Ang Lee se había convertido en un grano en el culo para la productora, así que los mandamases de Marvel (menudos son ellos) dijeron: borrón y cuenta nueva, aquí no ha pasado nada; por lo que han vuelto a empezar la franquicia de cero y se han pasado por el forro de los cojones todo lo sucedido en la peli de marras, ¿sorprendidos? ¡Eso es que no han leído cómics en su vida!

La historia empieza con el doctor Bruce Banner en Brasil, dedicándose al próspero negocio de embotellar radiación gamma y venderla a los niños como si fuera coca cola, aunque no le faltará tiempo para proteger el honor de sexis y sudorosas operarias con cuerpo de top model (¡esto es vida!). Las cosas empezarán a torcerse cuando uno de los pedidos llegue a manos de Stan Lee, un viejo verde que ya no tiene cuerpo para meterse según qué sustancias psicotrópicas y claro, al ingerir una bebida tan rica en radiación gamma le da un jamacuco. El ejército tiene que tomar cartas en el asunto, por lo que el general Trueno Ross envía a Brasil una tropa de sus mejores hombres, capitaneados por Emil Blonsky (un tipejo con muy malas pulgas y que le copia las frases a Rambo). Dicho comando consigue desmantelar el chiringuito que tiene montado el doctor, pero no consigue atrapar al condenado, que para ser un científico enclenque y debilucho corre que se las pela. Banner, ya en la ruina más absoluta y sin nada más que ponerse que unos pantalones raídos, regresa a Estados Unidos buscando consuelo en una antigua novia llamada Betty, una moza de su pueblo de muy buen ver que aun consigue subirle la bilirrubina. Pero el tal Blonsky tiene muy mal perder y no quiere dejar las cosas tal y como están, así que se toma una sobredosis de los cereales que le daban al Capitán América de niño y sale en busca del doctor, con el propósito de ajustarle las cuentas y ponerlo verde.

El realizador de todo esto es un tal Louis Leterrier, un franchute amigo personal de Luc Besson que se ha dedicado a dirigir películas ricas en testosterona y patadas voladoras, como son Transporter 1 y 2 y Danny the dog. En el papel del científico con desorden de personalidad más famoso del cómic tenemos a Edward Norton, un actor bastante decente pero que solo ha hecho un par de películas interesantes (a mi me gustan El club de la lucha, Todos dicen I love you y para de contar, pero es que yo soy muy mío). El toque femenino (uséase las curvas) lo pone Liv Tyler, actriz jamona que nunca ha aparecido tan arrebatadora como en Belleza robada y que aquí se lleva la peor parte del pastel, ya que su personaje es el que aporta todos los momentos cursis y ridículos de la cinta, amén que al avanzar la acción se va pareciendo cada vez más a una figura recortable. Como militar bruto e iracundo tenemos, con un kilo de maquillaje, al veterano William Hurt, con un aspecto bastante casposillo, todo sea dicho, y en el papel del malo maloso está Tim Roth, uno de los actores fetiche de Tarantino que de sobras tiene esa mala leche que todo villano necesita.

También encontramos en la cinta los homenajes y cameos de rigor, así que se pueden ver en pantalla a Stan Lee, Lou “rompe camisas” Ferrigno e incluso el espíritu catódico de Bill Bixby, ya que aquí hay una aproximación mayor que en la anterior película a la serie televisiva de los años setenta, tanto que incluso en algún momento melodramático se recupera la sintonía de aquella serie (ya saben, aquel piano tan plasta). Pero el mayor acierto de la peli reside en haber introducido varios elementos que pululan en la actualidad por la colección de cómics, nos estamos refiriendo sobretodo a los que forman parte de la etapa guionizada por Bruce Jones (los que la sigan, ya sabrán a lo que me refiero), la forma de presentarnos al monstruo y algún que otro arco argumental, le deben mucho a ese cómic.

Se puede decir de ésta lo mismo que de tantas otras películas superheroicas de reciente cuño, que tiene un arranque espectacular y prometedor pero que va perdiendo pistonada cuanto más protagonismo va cobrando la acción, hasta llegar a un clímax final tan repleto de tirabuzones digitales como de agujeros argumentales. También es verdad que la peli da lo que promete, acción monda y lironda sin complejos y diversos chistes sobre pantalones elásticos. Si en el anterior filme se quedaron con ganas de ver al coloso esmeralda repartiendo la pana a base de bien, esta es su película, que aunque no pase la ITV, debo advertir que me ha divertido soberanamente y que como entretenimiento ocasional cuela perfectamente, también es verdad que le tengo cierto aprecio al personaje, de peque era mi superhéroe favorito de Marvel y eso pesa mucho. Sepan que si algún día este servidor tiene descendencia, de ser niño le pondremos Clark, y si es niña, La Masa.


La frase: “Oye, podría enseñarte alguna técnica para ayudarte a controlar esa ira.”

By Cecil B. Demente

VIERNES 13 PARTE 3 - DVD EDICIÓN ESPECIAL

La tercera parte de Viernes 13 es una continuación directa de la segunda parte (repite Steve Miner en la dirección). Tras un inicio donde nos recuerdan con imágenes el final de la anterior peli (y con Jason arrastrándose, con lo cual aun sigue vivo) y unos créditos psicodélicos (recordemos que el film está rodado en 3D) lo que tenemos es a otra pandilla de jovenzuelos que se van de recreo al lago (en concreto a Higgins Haven) cuando aun están retirando los cuerpos muertos de los chicos de la Segunda Parte y parecen encantados de ser las nuevas víctima de Jason Voorhees. Y es que Jason ahora deambula por el lugar sin nada en la cabeza (ni saco ni máscara ni ná) y se entretiene matando a un matrimonio mientras llega la carne fresca de la ciudad.

La pandilla de jovenzuelos es tan carismática o más que en la anterior peli. Si en la segunda parte teniamos a un minusválido en silla de ruedas ahora tenemos a un gordito que responde al nombre de Shelly y que es tan payaso que no liga ni a la de tres (puestos a elegir prefiero ser el minusvalido de la otra peli, que tenía más posibilidades de follar!!!). Pero aparte del gordito quien más me interesa del reparto es la actriz Tracie Savage (una especie de cruce morboso entre Tatum O'neill y Jennifer Aniston que después de este film se alejó de la profesión) que interpreta a Debbie, un precioso zorrón que protagoniza las mejores escenas del film: la de la ducha, cuando enseña las tetas mientras a su novio Jason lo parte por la mitad (impactante muerte la del muchacho, mientras hace el pino Jason le da un machetazo en los cojones y lo parte en dos!) y la siguiente escena cuando en la hamaca se pone a leer un número de la revista Fangoria (en concreto un artículo sobre Tom Savini, maquillador de la primera peli!) y empieza a gotear sangre sobre ella descubriendo a su novio partido en dos montado en el techo!!! En fin, una chica para enamorarse, no perderse su escena en bikini!!!.

(Nada como un ojo disparado en 3D)

Lo más cachondo del film son las tonterias que tienen que hacer los actores para aprovechar el 3D. Las escenas del yo-yó, las palomitas o los malabarismos con fruta son delirantes, asi como las de la flecha que atraviesa el ojo. Y según parece rodarlas era un coñazo ya que tenían que repetir tomas una y otra vez para que el efecto 3D salia bien.

En el film no faltan los tópicos de la saga como los porros, los folleteos, las bromas...incluso aparece una banda de macarras (que será masacrada sin piedad por Jason, por supuesto) para darle más variedad al asunto. Al gordito Shelly le debemos que su máscara de Hockey pase a ser el gran icono de Jason y hasta hay algo de profundidad en el guión (una de las chicas fue atacada por Jason un par de años antes pero escapó aunque quedó traumatizada y aqui se enfrentará escapando de nuevo del mismo)

También hay otro viejo loco que les advierte del peligro a los chicos (el de la bicicleta murió en la anterior peli, pero este mola más porque lleva de recuerdo en la mano un ojo humano arrancado!)

En esta Tercera Parte lo importante es que tenemos más gore y mejor elaborado que en la anterior peli. Escenas como la de Jason estrujando la cabeza de un prota haciendo que un ojo salga disparado hacia la pantalla (para impactar con el 3D) son más delirantes y brutales (por no hablar por la del chico haciendo el pino partido en dos que ya he comentado). La pena es que en este DVD no parece que hayan remasterizado la peli como en la anterior. La imagen presenta cierto granulado e impurezas, pero eso también tiene su encanto!

(El entrañable Shelly en problemas)

La recta final del film no decepciona: se hace ya habitual que la superviviente final encuentre todos los cuerpos muertos de sus amigos y que Jason rompa ventanas por afición, y hasta se atisba cierta inmortalidad de Jason (la escena donde le parten el cuello con una soga y sin embargo sigue vivo!), aunque al final la chica le da un hachazo en la cabeza y parece que muere...eso se desprende de las últimas imágenes, aunque como falso epílogo tenemos la cachonda escena imitando al final del primer Viernes 13, con la chica en una barca...pero esta vez en vez de ser atacada desde el agua por el Jason niño es la Madre de Jason quien ataca! (Aunque es un sueño, parecen explicar, como lo era el final de la primera, según explicaban en la segunda parte)

(Jason y su fijación con las ventanas)

Pero por supuesto habría una cuarta parte de la saga...pero eso ya es otra historia...



EDICIÓN ESPECIAL EN DVD


Tajos Frescos: Terror en 3D

12 minutos de entrevistas con actores y técnicos del film donde se habla de multitud de detalles interesantes como la máscara que diseñó Stan Winston pero que no se usó, las dificultades de rodar en 3D (utilizando además una nueva cámara que se utilizaba por primera vez en cine) o el final alternativo de la peli. También se habla de como Frank Mancuso Jr. acabó como jefazo de la Paramount y fue el que se empeñó en rodar la peli en 3D. Entre los participantes de este documental está Peter Bracke y el actor Larry Zerner (el mítico Shelly, el gordito de Viernes 13 Tercera Parte) todo un mito de la saga en si mismo.

El Legado de la Máscara

Documental de 9 minutos donde Peter Bracke y algunos técnicos del film hablan de la evolución de la máscara de Jason a lo largo de la saga. Lo más cachondo es descubrir como Martin Jay Sadoff, técnico supervisor de las 3D en la tercera parte de la saga, fue el culpable de que apareciera la máscara de hockey en la saga, él hizo la recomendación a Steve Miner.

Peliculas de Tajos: A Por La Yugular

Casi 7 minutos de reflexiones entorno al género slasher con la participación de mitos como Tom Savini, Tony Todd, Tony Moran (el primer Michael Myers!) y Harry Manfredini.

Historias Perdidas del Campamento Sangriento - Parte 2 y Parte 3

Otros dos cortometrajes cutres de Andrew Ceperlye. el primero dura 8 minutos y va de una parejita en el campo atacados por un psicópata. El segundo es una continuación de la parte 1 del DVD de Viernes 13 Parte 2 y dura menos de 5 minutos. Gore cutre y patatero que no sé que pretende aportar al DVD.

Diferencias con la Edición USA:

Es una pena que no llegue aqui la edición USA que incluye el film en dos formatos 2D y 3D y además incluye las gafas de 3D para ver la peli. Ni que decir tiene que la edición española no trae 3D ni ná.

UNAS FOTILLOS DE LA MACIZA DE TRACEI SAVAGE:

By Carlos Serrano

VIERNES 13 PARTE 2 - DVD (EDICIÓN ESPECIAL)

DESPUÉS DE COMPRARME Y DISFRUTAR COMO UN CERDO DE ESTE DVD ES HORA DE REPASAR EL MÍTICO FILM Y LOS EXTRAS QUE INCLUYE!!!

El film se inicia con un largo prólogo de 11 minutos donde la superviviente de la primera película está dormida en la cama y através de sus sueños vemos una serie de flashbacks recordando el final del primer film. No solo recordamos los hechos ya conocidos sino que también nos enteramos de qué pasó tras la sorpresa final (cuando el Jason niño atacó a la chica en la barca), al parecer a la chica la sacaron del lago y la llevaron al hospital. En el hospital la chica habla con la policia y se da cuenta de que nadie ha encontrado al niño que supuestamente la atacó. Tras los sueños lo que veremos a continuación es a la chica encontrando la cabeza decapitada de la madre de Jason (la decapitó ella misma) guardada en la nevera...y de repente aparece alguien que no muestra la cara y que le clava un destornillador en la sien a nuestra chica. Tras el atroz crimen llegan los títulos de crédito iniciales!

Han pasado cinco años desde los hechos del primer film y ahora cerca del campamento de Crystal Lake hay otro campamento que en realidad es un centro de formación de monitores de campamento. Cuando empiezan sus actividades por supuesto lo que pasa es que se juntan una pandilla de jovenzuelos que más que formarse lo que van es a divertirse, drogarse y follar los muy indencentes, pero para eso ronda por ahi alguien (¿Jason Voorhees?) que les dará su merecido por guarrindongos!

Steve Miner (viejo coleguita de Sean S. Cunningham) ya había colaborado en anteriores producciones de Cunningham e incluso en la original Viernes 13, pero ahora debutaba en la dirección con este Viernes 13 Parte 2 (que también produce). En el proyecto le acompañaba el guionista Ron Kurz que ya había colaborado en otros proyectos de Cunningham (como la propia Viernes 13 donde participó en el guión aunque no estuviera acreditado). Otros colaboradores del film fueron Peter Stein como director de fotografía (que luego trabajaría en pelis míticas como C.H.U.D. o El cementerio Viviente), Carl Fullerton en los FX de maquillaje (que ya había trabajado en pelis como The Wiz o Viaje Al Fondo de la Mente, que repetiría en Viernes 13 Tercera Parte y acabaría participando en grandes producciones como Uno de los Nuestros, El Padrino III o Philadelphia), Frank Mancuso Jr. como productor asociado (mítico productor que debutaba aqui en esas labores y que luego produciría varias secuelas más de Viernes 13 y pelis como El Dia de los Inocentes, Cuerpo Maldito, Species, etc), Susan E. Cunningham como montadora (que también debutaba aqui como montadora, que ha tenido una breve carrera y que supongo es algún pariente del mítico Sean) y por supuesto Harry Manfredini en la Banda Sonora.

Desde luego no se puede decir que este grupo en su mayoria de debutantes creara una obra maestra, más bien el film es una imitación del primero pero en vez de la señora Voorheees como psicópata asesina ahora le toca el turno a su amorfo hijo. Asi el máximo interés del film es excarvar en la mitología del personaje de Jason. En una escena de campamento (la típica escena donde se cuentan historias de terror al calor de una fogata) el director del centro de formación de monitores cuenta la leyenda de Jason "Nunca se recuperó el cuerpo de Jason del lago" narra a los jovenzuelos que están más interesados en los porros y el folleteo que en el jodido niño deforme. El film incluye todos los tópicos de la saga y del slasher ochentero: luna llena, noche lluviosa, tetas, fiestas, porros...quizá la novedad son las consolas de videojuego de bolsillo (mucho antes de la Gameboy!). Pero como digo lo interesante es la evolución del mito de Jason que primero deambula sin que sepamos si es él o no, y que terminará apareciendo con un saco cubriendo su amorfo cabezón. Aqui aun no están los iconos más famosos de Jason como la máscara de hockey o el machete de tamaño familiar. Jason se sirve de cualqueir instrumento punzante o cortante para masacrar a los jovencitos y tampoco siente mucha verguenza al enseñar su deforme rostro (con barba incluida!), de hecho Jason aqui es un tipo bastante delgaducho comparado con los fornidos Jasons de futuras secuelas!

Claro que para entretenernos el film cuenta con las dosis de cachondeo, sexo y tonterias adecuadas. La escena de la chica bañándose en el lago mola, sobre todo porque la muy guarra lo enseña todo (incluido el vello púbico perfectamente perfilado, eran otros tiempos donde las mujeres no se afeitaban el coño influenciadas por el trípode de Rocco Siffredi), aunque la escena sexy favorita de todo el mundo es esa de la chica buenorra que se quiere follar al minusválido (eso es integración social de los descapacitados!) y frente al espejo se echa perfume en el coño (¿Quizá piensa la muy zorra que el tullido le va a comer el coño y no quiere que se lleve sorpresas desagradables?). Y es que el minusválido protagoniza algunas de las mejores escenas del film, sobre todo por su espectacular muerte: Jason le da un machetazo en todo el cabezo y cae con la silla de ruedas por unas escaleras y de espaldas!

Como digo Jason aun está lejos de ser el psicópata inmortal y cachas de futuras secuelas por eso cuando una de las chicas le da una patada en los cojones Jason cae dolorido, vaya mierda de psicópata! Si no fuera por el detalle de que al final se descubre que Jason guarda la cabeza momificada de su madre en una cutre chabola en medio del bosque (algunos hablan de guiño a la mítica Psicosis, por lo de la madre momificada) el film sería demasiado vacio hasta para el más compulsivo de los fans del slasher. Eso si, dejando aparte el folleteo y el gore lo que más se puede disfrutar es del ambiente ochentero, puro cine de principio de los 80's con las texturas y el color mítico de aquel tiempo. Y bueno el chiste sobre Beethoven a mi me hace gracia:

¿Qué es una cosa marron sentada en un piano? El último movimiento de Beethoven...jajaja.

Una curiosidad: en el minuto 8 (y 43 segundos) del metraje podeis ver en la escena de la ducha como la cámara hace sombra sobre la cortina!

Resumiendo: más tetas, más sangre y más de todo. Lo que siempre es toda secuela de slasher, como Dios manda.

DVD EDICIÓN ESPECIAL

La Edición Especial que se puso a la venta en España el pasado dia 6 de febrero incluye abundante y suculento Material Extra. Aunque lo curioso es que en la edición USA del DVD (bautizada alli como Deluxe Edition) incluye aun más material extra. Pero no, esta vez no es que se hayan olvidado de traer ese material es que el abundante material extra de Viernes 13 Parte 2 se ha repartido aqui entre los DVD's de la segunda y tercera parte. O sea, que los extras que echamos en falta aqui están incluidos en Viernes 13 Tercera Parte Edición Especial (aclararemos que el DVD americano de Viernes 13 Tercera Parte solo trae como extra un trailer)

Pero vamos ya con los interesantes extras del DVD de Viernes 13 Parte 2:

Dentro de los recuerdos de Crystal Lake

Entrevista de 10 minutos con Peter Bracke, autor del libro Crystal Lake Memories: The Complete History Of Friday The 13th, que nos va contando anécdotas y curiosidades de Viernes 13 Parte 2, como el uso por primera vez de la Steadicam en la saga, el final original ideado para la película, el minuto de imágenes censuradas del film o lo más suculento el por qué Sean S. Cunningham y Victor Miller no participaron en esta segunda peli. Según nos cuenta Bracke Sean S. Cunningham tenía en mente crear con cada secuela de Viernes 13 una historia diferente en vez de seguir con las andanzas de Jason ¿Os suena la idea? Pues si, porque John Carpenter pensó lo mismo para su saga Halloween (claro que Carpenter llegó a realizar la idea con Halloween III, aunque no tuvo el éxito esperado). Aqui sin embargo la Paramount no estaba muy excitada con la idea de que Viernes 13 fuera una saga de pelis independientes con historias diferentes, queria más de lo mismo!

El Legado de Viernes: Congresos del Terror

Documental de seis minutos y medio visitando una de las convenciones para fans de Viernes 13. Podemos ver a los actores y técnicos del film firmando autógrafos y hablando con los fans mientras disfrutamos de declaraciones de Victor Miller, Tom Savini, Harry Manfredini o Betsy Palmer.

Historias Perdidas del Campamento Sangriento - Parte 1

Este es el extra más curioso y a la vez más aburrido. Se trata de un cortometraje de 7 minutos escrito y dirigido por Andrew Ceperlye con bastante gore (e inspirado en el slasher más puro), pero vamos, es como uno de esos cortos amateur rodados en video, cutre como su puta madre y sin nada que aportar (en el DVD de Viernes 13 Parte 3 nos esperan dos partes más de este artefacto!)

Jason Para Siempre

29 minutos en una convención de la revista Fangoria donde se entrevista a varios de los actores que han dado vida a Jason Voorhees en la pantalla (el entrevistador es Peter Bracke). Además el público también hace preguntas! Un entrañable documento con mucho humor y cachondeo (y donde se demuestra lo mucho que los fans adoran a Kane Hodder). Sin duda el extra más entrañable del DVD.

Conclusión: Sin aun no os habeis pillado este DVD estais viviendo en pecado, colegas!

By Carlos Serrano

LA GRAN SORPRESA (1964)

Si uno se pone a pensar en iconos de la cultura popular relacionados con la ciencia ficción, a mí a bote pronto se me ocurren tres: el monolito de 2001, el cohete de Tintín y la cara de la luna con un cohete espacial metido en un ojo de Viaje a la luna (Le Voyage dans la Lune, 1902) de George Méliès. Película esta última que, a parte de haber sido homenajeada e imitada en no pocas ocasiones (¿quién no recuerda el Tonight, Tonight de Smashing Pumkins?), supuso el pistoletazo de salida a la ciencia ficción como género cinematográfico, además de contener ya en su argumento varios de los temas que años más tarde serían los pilares fundamentales del género, eso sí, tratados de una forma muy teatral y humorística. Para narrar su imaginativo periplo espacial, Méliès se basó en dos novelas de los hoy proclamados papás de este subgénero literario, nos referimos a De la tierra a la luna de Julio Verne y The first men in the moon de H. G. Wells, obra esta última que sirvió también de inspiración a la película que hoy nos ocupa, y que si bien existen diversos paralelismos entre ambas, no se puede considerar un remake en toda regla.

La cinta nos cuenta como en los años 60, en plena carrera espacial, una expedición internacional logra aterrizar en la Luna. Durante el proceso de exploración los astronautas descubren algo que resulta más sorprendente incluso que un monolito gigante de connotaciones alienígeno místicas, se topan con una bandera inglesa y una nota escrita a mano que reclama a la Luna como territorio inglés desde 1899. Después de transmitir la noticia a la Tierra, las Naciones Unidas empiezan una investigación que les lleva a dar con el paradero de Arnold Bedford, un alocado vejete que reside en un geriátrico y que es el último superviviente de una victoriana expedición lunar. Ante la elite científica y la prensa, Bedford narra los increíbles sucesos de su juventud que le llevaron a viajar hasta la Luna en busca de oro, acompañado por su novia Karen y su vecino, el profesor Joseph Cavor, científico inventor de la fabulosa Cavorita, una especie de pintura o pasta metálica capaz de cortar la gravedad y que sin duda resultará familiar a los que hayan leído el cómic de estética steampunk titulado La liga de los Caballeros Extraordinarios, obra de los no menos extraordinarios Alan Moore y Kevin O’Neal.

A los mandos de esta producción inglesa tenemos a Nathan Juran, un director muy proclive a esto de la fantasía y la ciencia ficción más trasnochada, y que tiene en su currículo joyas tan entrañables como A 20 millones de millas de la tierra y El ataque de la mujer de 50 pies. En el papel del héroe varonil, intransigente y algo payaso, está Edward Judd, actor que trabajó en varias producciones para la Hammer como son La isla del terror o La venganza de la diosa del fuego. Incorporando las curvas y la melena rubia a la función tenemos a Martha Hyer, actriz americana que salió en alguna de esas películas playeras que protagonizó Frankie Avalon en los 60’s, y que incluso fue nominada una vez al oscar a la mejor actriz secundaria, tal día como hoy hará tropecientos años. Encarnando al paradigma del científico excéntrico y despistado tenemos a Lionel Jeffries, actor que más tarde acompañaría a Dick Van Dyke en sus correrías automovilísticas en Chitty Chitty Bang Bang. Pero la verdadera estrella del espectáculo no es otro que el gran Ray Harryhausen, el encargado de los efectos especiales.

Los escenarios y decorados son pura magia y en ningún momento pretenden representar la Luna de una forma realista, sino como si ésta apareciera en un sueño; fantástica, misteriosa y repleta de vida. Es a partir del alunizaje cuando la huella de Harryhausen se deja notar más, como en la escena del ataque de las orugas gigantes o cuando Martha Hyer es sometida a los minuciosos análisis de las criaturas selenitas, de forma que solo aparece en pantalla como un esqueleto, recurso que más tarde volvería a ser utilizado por Paul Verhoeven en Desafío Total.
Esta es una cinta de ciencia ficción a la antigua usanza, cuyo tono y contenido pueden recordar al de otras fantasías victorianas llevadas a la pantalla, como Veinte mil leguas de viaje submarino, Viaje al centro de la tierra o El tiempo en sus manos, mezcladas con las monsters movies que tan populares se hicieron en los 50’s, detalle este último muy relacionado con la temática espacial y la participación de Ray Harryhausen en la producción. La estética del filme le debe mucho a los cómics y a las novelas pulp, y la acción se presenta siempre de una forma humorística y naif, sin que se tome muy en serio a sí misma, por lo que la cinta tiene un resultado final de aventura juvenil.

La Gran Sorpresa posee un principio espectacular y fabuloso, pero el desarrollo de la trama no le hace justicia a la original propuesta, ya que la cinta va cayendo, uno tras otro, en todos los tópicos del género. Aun así, el sentido de la maravilla y la fuerza de las imágenes mantiene de sobras el interés en el espectador y hacen de ésta una experiencia disfrutable, siempre y cuando usted se deje llevar por la magia e inocencia que desprende esta fantástica epopeya.

La frase: “La posibilidad de cazar un elefante en la luna es muy remota.”

By Cecil B. Demente

ESPECIAL "SOLARIS"

SOLARIS: LA NOVELA

En estos últimos dias he aprovechado para saldar una deuda con la ciencia ficción. Siempre he sido un gran lector del género (soy fan de Asimov ante todo) pero por una u otra razón nunca había acometido la aventura de leer Solaris, la famosa y mítica novela de Stanilav Lem (autor polaco). Es más, ni siquiera había visto el film de Andrei Tarkovsky (Solaris, 1972) que había rodado basándose en la novela (y que por supuesto se convirtió en otro film clásico de la ciencia ficción moderna). Hace algún tiempo si que vi el Solaris rodado por Steven Soderbergh (de 2002 y con George Clooney de protagonista) y aunque me temía lo peor la verdad es que me encantó. A partir de entonces estaba decidido a saldar mi deuda con Solaris!

Aprovechando que la editorial Minotauro reeditó el año pasado la novela Solaris (originalmente editada en Polonia en 1961) de Stanislav Lem (dentro de la elegante e interesantísima colección Clásicos Minotauro) me pillé un ejemplar y me dispuse a devorarlo. Aunque no sabía muy bien que me iba a encontrar lo devoré porque, el libro, no tardó en apasionarme y ejercer una poderosa fascinación sobre mi. ¿Cómo es posible que haya ignorado esta novela durante tanto tiempo? Es imperdonable, sin duda, pero por lo menos ahora lo he disfrutado como un enano. La novela de Lem tiene el formato perfecto para que el lector la devore con comodidad. No es una novela demasiado larga (231 páginas), tiene la suficiente intriga como para hacerla amena (es decir: no todo está lleno de pajas mentales!) y el argumento, la historia, es lo suficientemente poderoso como para cautivar al más escéptico: un psicólogo llega a una estación espacial (orbitando alrededor del misterioso Solaris, un extraño planeta con un océano que algunos creen "inteligente") donde algo raro está pasando.

Como bien resume Andrés Berdasco Blanco: La novela comienza con la llegada de Kris Kelvin a la Estación Solaris, suspendida en el aire a cuatrocientos metros sobre el océano, para unirse a los trabajos de investigación que allí se realizan. Pero nada más llegar ya tiene sorpresas. Se encuentra con que de los tres ocupantes de la estación uno está muerto, otro consumido por el miedo y el tercero encerrado en un laboratorio y aislado del resto de la estación, posiblemente loco. Y en medio de ese desconcierto Kelvin se tropieza con otras personas, antes reales pero ahora recreaciones fantasmales enviadas por Solaris y extraídas de los recuerdos de los miembros de la estación, y entre ellas está su mujer muerta años atrás. Lo más extraño y lo más inquietante es que no se trata de fantasmas inmateriales, sino de auténticas personas de carne y hueso que ignoran su condición de recreaciones, sienten y piensan como sus originales y, a todos los efectos, son los originales.

Estamos pues ante una de las novelas más singulares de la ciencia ficción y una historia que conservará su misterio y encanto a través de las décadas. Jordi Garcia la describe como una novela hipnótica y onírica, fascinante y aterradora. De prosa sencilla, que no simple, la complejidad de lo narrado por Lem deja el poso que sólo las grandes obras de arte dejan en la conciencia y el ánimo. Al terminar de leerla la inquietud de lo leído permanece en los recovecos del alma, recordándonos que el Universo, a fin de cuentas, pemanecerá siempre misterioso, y que la naturaleza, en su pasiva existencia, es tanto más aterradora en tanto en cuanto no se la puede vencer, en tanto en cuanto su inexorabilidad nos pone ante los ojos el espejo de nuestra propia insignificancia en el cosmos.

Bien, a pesar de que la novela es un clásico yo pienso que el tercio final flojea un poco cuando el autor se aleja de la trama central de la historia (Kris y su "esposa" y lo que pasa en la Estación Espacial) y el final puede ser frustrante para más de un lector. Pero no importa, la historia es lo suficientemente poderosa como para perdonar hasta algún que otro momento prescindible.

SOLARIS (1972)

Tras leer la novela el siguiente paso lógico era tragarse el film de Tarkovsky, cosa a priori algo inquietante porque son 165 minutos de cine ruso a palo seco, hablado en ruso con subtítulos y con un ritmo pausado como su puta madre! A pesar de mis reticencias me dispuse a verla (gracias a la edición especial en doble DVD publicada en su dia por el sello Track Media) con toda la ilusión del mundo (la ilusión que da haber leido de un tirón el magnífico libro de Lem, claro) pero los 40 minutos iniciales de diálogos interminables, ritmo lento y cansino y actores con menos carisma que el palo de una fregona pueden desmoralizar a cualquiera. Más aun cuando la ambientación mezcla rústica rural soviética, FX discretitos y poco o nada de modernidades futuristas (vamos, que cualquier parecido con la ambientación habitual de una peli de sci-fi es pura coincidencia!), y estamos hablando de un film de 1972, una época que aun seguía bajo el impacto del 2001 de Kubrick. Pero si comparamos ambos films el de Tarkovsky es mil veces más aburrido, soso, pobre y cutre que la obra maestra de Kubrick. Dicho esto a partir del minuto 40, cuando Kris llega a la estación espacial, el film se acerca más a la novela y respeta a los personajes de Snaut y Sartorius pero aparte de que el metraje aburre a las ovejas no consigue ni por asomo crear el misterio y la fascinación de la novela. En realidad el director ha cogido la novela y luego ha hecho lo que le ha dado la gana.

Asi pues un film que decepciona, sobre todo si has leido antes la novela, y como fan de la ciencia ficción la verdad es que la peli me resulta antiestética y visualmente pobre. Un coñazo, vamos.

SOLARIS (2002)

Cuando Steven Soderbergh se puso a rodar una nueva versión de Solaris (partiendo de que no era un remake del film de Tarkovsky sino una nueva adaptación de la novela de Lem) con George Clooney de protagonista algún fan debió sufrir un soponcio. Pero quizá el alivio estaba en saber que detrás del proyecto estaba James Cameron, con su productora Lightstorm, todo un experto en el género, y una pena que al final Cameron no dirigiera el film como era su intención original. Soderbergh escribió el guión y dirigió un film que a primera vista parecía muy fiel al texto pero que cuando profundizamos en el metraje vemos que Soderbergh ha hecho con la novela lo que le ha salido de los cojones. Por ejemplo el personaje del Doctor Sartorius es ahora la Doctora Gordon que es una negraza gordinflona (???). El doctor Snaut si está (aunque con el nombre de Snow, si, como aquel rapero blanco que hoy nadie recuerda) pero Soderbergh se inventa un sorpresa impactante para el personaje que nada tiene que ver con la novela (pero reconozcamos que la idea sorpresa de Soderbergh es genial!).

Por otro lado Soderberg se centra más en el romance del personaje de Clooney con su esposa que en la Solarística (que aqui apenas se toca mientras que en la novela es el eje central). Pero el film está lleno de curiosidades. Si en la peli de Tarkovsky el doctor Sartorius ocultaba a un enano (como visitante de Solaris), aqui la doctora Gordon nunca revela cual fue su "visitante". Por otra parte aqui la Estación Espacial es parte de un proyecto comercial para ver la posible rentabilidad de Solaris (se trata de uan misión que en su dia fue vendida por la NASA a una compañia privada), éste y otros detalles del film (como los marines que fueron enviados a la estación) nos recuerdan a Aliens, El Regreso el clásico de Cameron...¿casualidad?. También hay diferencias fundamentales con la novela, como por ejemplo que aqui la mujer de Kris si puede alejarse de él (mientras que en la novela no) o como la mujer de Kris tiene recuerdos privados (cosa que sería imposible si en realidad solo podría tener recuerdos de la mente de Kris).

El toque romántico de todo el film se puede evidenciar sobre todo en esa bonita escena donde Kris sueña y a través de flashbacks somos testigos de como conoció a su mujer. Es más, ya dió que hablar en su dia el desnudo de Clooney en el film (en realidad tanto Clooney como Natascha McElhone salen desnudos en la escena más guarra) que enseña su portentosa espalda y culazo esculpido en mármol. Supongo que los fans de la sci-fi simplemente desearon cortarse las venas al ver que lo más publicitado del film era el culo de Clooney!

Pero bueno, el film, pese a su ligereza con respecto a la novela y su estética hollywoodiense se puede disfrutar y mucho (sobre todo si aun no has leido la novela) no ya solo por las ideas que propone Soderbergh (aunque se eche de menos a veces algo más de metraje para profundizar en ellas) sino por dos detalles que a mi me fascinan: la hipnótica y hermosa Banda Sonora de Cliff Martinez (habitual de las pelis de Soderbergh) y la presencia de la no menos fascinante Natascha McElhone, toda una actriz de culto que a mi me da un morbo tremendo. Otra cosa ya sería hablar del final del film, un final confuso y ambiguo para que cada uno saque su propia conclusión...

Aun asi el film fue un fracaso estrepitoso en su dia (la recaudación mundial fue menos de lo que costó!) y es posible que tanto Soderbergh como Clooney jamás vuelvan a la ciencia ficción, cosa que más de un fan seguro que agradece.

Conclusiones:

Tanto Tarkovsky como Soderbergh, en sus films, se pasan por el forro de los cojones la magistral novela original. Por eso aun está por rodarse el film que haga justicia al libro y que suponga un verdadero impacto mundial. Eso es lo que se merecería la obra maestra de Stanislav Lem. Eso si, como detalle curioso decir que el otro dia lei (creo que en alguna revista de cine) que existe un film basado en Solaris anterior a la peli de Tarkovsky, quien sabe lo que nos depararía la visión de ese film!

By Carlos Serrano

"TARDE DE PERROS" DE SIDNEY LUMET: LA TRAMPA MEDIÁTICA

Frente a las presentes producciones comerciales que nos llegan desde los "States", uno no puede evitar mirar hacia atrás en el tiempo y echar un vistazo al pasado para darse cuenta de que tipo de productos nos ofrecía la industria del celuloide por entonces y qué es lo que nos ofrece ahora. Pero la cuestión no la quiero enfocar desde un punto de vista cinéfilo, pues "Tarde de Perros" aparte de hacer las delicias de cualquier espectador con un mínimo interés por el cine es un film que puede entretener y gustar a una persona a la que no le importe la cultura del séptimo arte; y esa es una virtud palpable en el filme y en casi toda la filmografía de Sidney Lumet. Lumet es un director que se entrega a su público en casi toda su filmografía aún pudiendo, en algunas películas, caer en el academicismo, o no buscar pretensiones artísticas sino enfocar su película como un producto comercial, pero siempre respetando la integridad del espectador y tratando de ofrecerle un buen material por encima de todo.

Cierto es que la filmografía de Lumet descendió en calidad a partir de la década de los ochenta y que en cierto modo su carrera está llena de altibajos, pero de todas formas y sin lugar a dudas algunos proyectos llevados a cabo por este hombre son espléndidos e inolvidables: "Doce Hombres sin Piedad", "Serpico" o, la película de la que voy a hablar, "Tarde de Perros".

"Dog Day Afternoon" está basada en el suceso que aconteció durante una tarde en Brooklyn con el atraco a un banco, atraco llevado a cabo por dos atracadores inexperimentados en el año 1972. La producción se llevó a cabo tres años después, en el 75, dirigida por Sidney Lumet a partir del guión que su amigo Frank Pierson (hoy día presidente de la "Academia") había escrito a partir de un artículo periodístico a cerca del tema. El film fue protagonizado por la ya consagrada estrella de la gran pantalla debido a su papel de Michael Corleone en las dos primeras entregas de "El Padrino", Al Pacino (con el cual Lumet ya trabajó en "Serpico"). Para mantener el pulso interpretativo Pacino sería secundado por John Cazale, actor con el que a Pacino no debió costar compenetrarse ya que había trabajado con él en las entregas de "El Padrino", en las que Cazale interpretaba a Fredo Corleone. Pero por si fuera poco, la película contó con secundarios de lujo como Charles Durning, Carol Kane, Chris Sarandon, Sully Boyar o Penelope Allen que realizan una labor magnífica. La película, con el fin de dotarla de mayor realismo, sería rodada en el lugar de los hechos y contaría con más de un centenar de extras que serían transeúntes que deambulaban por el barrio.

Con todos estos ingredientes Lumet supo crear un film sólido como una roca, el cual marcaría unas pautas a seguir dentro del cine de la década de los setenta a partir de una dura crítica hacia el morbo en los medios de comunicación y más en concreto en la televisión (mundo que retrataría de forma aún más directa con su siguiente film: "Network"), y poniendo en tela de juicio la forma que tiene de desempeñar la ley su papel en la sociedad norteamericana. En "Tarde de Perros" hay tensión como en todo buen thriller pero Lumet no deja ahí la cosa sino que nos muestra la situación del modo más cercano posible, dotando a la película de un hiperrealismo y una sensibilidad por la condición humano envolvente mientras seguimos el transcurso del día entre escenas cimentadas en planos secuencia apoyados por las naturalistas interpretaciones de su reparto.

Sonny (Al Pacino) y su amigo Sal (Cazale), junto con un chico que acabará marchándose antes de realizar el atraco, deciden atracar una pequeña sucursal bancaria de Brooklyn. Una vez dentro las cosas no saldrán como habían planeado. Se producirán varias meteduras de pata, y a pesar de intentar guardar la máxima cautela posible el suceso acabará haciéndose notar. Lo que en un principio debía haber durado diez minutos comienza a prolongarse. Los nervios se desatan y las cosas se complican: el gentío se acumula, se forma el bullicio, la policía no tarda en llegar… Hasta que aparece el detonante definitivo para sacar de madre el suceso: la gente de la prensa y televisión; periodistas dispuesto a cualquier cosa con el fin de vender una exclusiva. Adentro las cosas no están del todo bien: Unos sienten pánico, otros se acaloran, alguno sufre un ataque, otros lloran... pero según va transcurriendo el día se liberan las tensiones y la confianza entre rehenes y secuestradores se hace tangible, creándose así una especie de “síndrome de Estocolmo” que no termina de estar claro del todo.

Cuando se descubre un dato a cerca de la sexualidad de Sonny, los medios no dudan en explotarlo y entonces es cuando Sonny y Sal se dan cuenta de que se han convertido personajes públicos y que su destino está sellado (viviendo sus quince minutos de fama para pasar en un tiempo al olvido). En un día así cualquier cosa podría pasar, recayendo el peso de la atención pública y un gran dilema moral sobre dos personas con un futuro incierto a las que el destino no dudará en ponerles escollos por el camino.

Pacino con "Tarde de Perros" logró una de sus más grandes interpretaciones, construyendo un personaje lleno de matices y confusiones, una persona cualquiera metida en una situación límite de la que es consciente de que no podrá escapar. Por otro lado no se le puede olvidar a uno la no menos estupenda interpretación de John Cazale, una composición igualmente tremenda de un tipo limitado, inseguro y, probablemente, lleno de aún más confusión que el de Pacino (otra interpretación sobresaliente dentro de su brillante pero, por desgracia, breve carrera). Dos personajes únicos, dos individuos que bajo su fachada de indeseables atracadores sin piedad y excombatientes curtidos en Vietnam esconden dos personalidades compresivas y entrañables de los que uno se acaba encariña según va avanzando la película. La esencia del medio en que se encuentran estos personajes sustituirá a lo que en otra película hubiera sido un hilo musical el único momento acompañado por música que se da en la película es en los títulos de crédito iniciales donde suena el tema: "Amoreena" de Elton John; cualidad por la que la película es casi "cinema verité".

"Tarde de Perros" es en definitiva cine en estado puro, aderezado por un guión que mezcla espectáculo y denuncia sin caer en discursos facilones y en demagogia barata. Como diría Sam Fuller, el cine es en una palabra: Emoción; y Lumet consigue captar verdadera emoción en cada momento del film.


Esta película de Sidney Lumet, obtuvo entre sus numerosas nominaciones en varios festivales: el "Oscar" a mejor guión original; al mejor actor (Pacino) y mejor edición por la "Bafta"; mejor actor, director y película por la "Lafca"; a mejor actor secundario, para Charles Duming, por los "NBR"; a mejor actor en el festival de "San Sebastián"; y mejor drama escrito, para Frank Pierson, por la "WGA".

"Tarde de Perros" es por méritos propios un clásico del cine y una de las películas más importantes de los 70. Una experiencia desgarradora.

By El Confesor

EL REY PESCADOR (1991)

El cine de Terry Gilliam levanta tantas pasiones como odios, las opiniones sobre sus trabajos suelen enfretarse pero al menos nunca dejan indiferente a nadie, ya sea para bien o para mal. De ser el único americano de los Monty Phyton a convertirse en un cineasta con un universo propio, cuya imaginación y fantasía le llevan (a veces) a bordear peligrosamente el ridículo, sin caer en él (la mayoría de las veces). Son los riesgos que conlleva la obsesión por no caer en lo convencional y en la reiteración, algo de lo que Terry puede presumir, ya que hasta la fecha ha llevado sus películas hasta el límite, visual y argumentalmente.

“El Rey pescador” es una de sus películas más exitosas pero a la vez una de las menos personales, aunque tiene la huella de Terry Gilliam, no es tan valiente, transgresora y perturbadora como “Brazil”, “12 Monos”, “Miedo y asco en Las Vegas” o “Tideland”; se trata de un Gilliam con unas miras mucho más amplias (para llegar a un público más amplio) sin dejar por ello de ser Gilliam. Aún con todo lo dicho, “El Rey pescador” es un film apasionante, que mejora con cada visionado y que además cuenta con un duelo antológico entre Robin Williams y Jeff Bridges.

Jack Lucas (Bridges) es un endiosado y egocéntrico locutor radiofónico que con sus hirientes e incisivas críticas provoca involuntariamente una masacre en un pub pijo de Manhattan. Tira su carrera por el retrete y cae en el alcoholismo; su único sustento es Anne (Mercedes Ruehl, oscarizada por este trabajo), dueña de un viodeoclub y blanco de la amargura y la frustración de Jack. Cuando éste decide una noche suicidarse es atacado por unos “limpia-escorias” que le confunden por un “sin techo”, entonces aparece Parry (Williams), un especie de trasnochado caballero andante, salvándole de ser quemado vivo. Jack al buscar información sobre Parry, para compensarle de algun modo, descubre que éste perdió la razón cuando su embarazada mujer pereció en la masacre que el propio Lucas desencadenó por sus desafortunados comentarios.

Jack tiene una cuenta pendiente con Parry, éste le pide que le ayude a recuperar el Santo Grial, que se encuentra en la torre de un Castillo de Manhattan, pero Jack sabe que lo que realmente le debe a Parry es recuperar la felicidad, y esta podría tener la forma de Lydia (Amanda Plummer), una tímida y desastrosa secretaria de Wall Street.

Esta delirante aventura medieval se desarrolla en el Nueva York de finales de siglo XX, cuenta en su contexto con una crítica hacía las desigualdades sociales (los tiburones de las finanzas frente a esos “homeless”, encabezados por un genial Tom Waits como el tullido veterano de Vietnam) a la vez que narra una historia de redención. El mérito lo tenía el excelente guión de Richard LaGravenese, nominado por su trabajo al Oscar. Tan solo Mercedes Rhuel se llevaría la dorada estatuilla a su casa; Robin Williams, tan sobreactuado como de costumbre, la acarició algo a lo que Jeff Bridges ni siquiera pudo optar, a pesar de tener entre manos un personaje muy agradecido que interpretó con su habitual maestría. Años después repetiría con Gilliam en “Tideland” en un rol muy secundario y polémico, ya que interpretaba a una acabada estrella del Rock que hace que su hija le prepare las dosis de heroína, pero eso es ya otra historia…

By KASKER

LA DUDA (2008)

John Patrick Shanley (director y guionista de Joe Contra El Volcán) regresa como director (tras escribir guiones como los de Viven! o Congo) y lo hace con este peliculón que adapta una obra de teatro suya.

Si, últimamente estamos de suerte con los mega-dramas de Hollywood: primero fue The Wrestler, luego Frost/Nixon y ahora La Duda (todas ellas tienen en común que sus protagonistas bordan espectacularmente sus papeles!) que es otra obra maestra acojonante! Y es que La Duda aparte de un potente guión cuenta con unas magistrales interpretaciones de su trio protagonista: Philip Seymour Hoffman, Amy Adams y sobre todo, como no, Meryl Streep. Lo de Meryl Streep es ya un caso paranormal, esta mujer puede hacer el papel que le de la gana y salir airosa e incluso dar otra magistral clase de interpretación. Quizá porque nos tiene acostumbrados a grandes interpretaciones no la valoramos como merece. Y es que en un mundo lleno de actrices idiotas contar con Meryl Streep es un lujo, deberiamos arrastrarnos de rodillas dando gracias a Dios por tener a una actriz como esta aun en plena forma!

Bueno, pero centrémonos en el film. La peli va sobre una parroquia y escuela católica donde por un lado tenemos al sacerdote progresista y abierto de mente (Philip Seymur Hoffman) y por otro a una estricta y ultraconservadora monja bastante cabrona e hija de puta (Meryl Streep), en medio hay una joven monja (Amy Adams) que un buen dia tras ciertos acontecimientos sospecha que algo raro paso entre un alumno del colegio y el sacerdote. Cuando le comenta ésto a su superiora, la monja cabrona ésta llega a la conclusión de que el sacerdote ha seducido al chico y mantiene una relación aberrante con el mismo...aunque no tenga pruebas de ello.

(Amy Adams, la monja que necesita un buen polvazo!)

En fin, la película es un mega-drama sobre la naturaleza humana y propone variadas e interesantes reflexiones sobre la justicia, la honestidad, el honor y sobre todo del poder de lanzar una acusación aun sin pruebas, algo que está muy de actualidad (siempre lo está) en nuestra Telebasura o en el mundo de la política, basta que alguien lance una acusación en un medio de comunicación para que automáticamente se convierta en verdad y el acusado tenga que salir a defenderse aun cuando nadie ha probado los hechos de que se le acusan! La peli asi proporciona muchas sensaciones contrapuestas, puedes empezar odiando a la monja cabrona para luego darle la razón, o sentir simpatia por el sacerdote bonachón para luego verle como un tipo de oscuro pasado inquietante o justo lo contrario!. Puedes cambiar de opinión a cada cinco minutos del film! De ahi que al final a todos nos quede LA DUDA. Lo cual hace del film uno de los más estimulantes para nuestros cerebros en muchos años!

Asi pues el film es una delicia para aquellos que tienen un cerebro en pleno funcionamiento y gocen de un cine potente, inteligente y emotivo. Aquellos que solo busquen cine comercial para pasar el rato que se alejen de esta joya. Y que quereis que os diga, llamadme enfermo, pero Amy Adams y Meryl Streep de monjas tienen su morbo!

By Carlos Serrano

AGAINST THE DARK (2009)

Richard Crudo fue operador de cámara de Donnie Darko pero ahora es un buen mercenario que se ha dedicado a toda clase de films preferentemente para el mercado del DVD, incluyendo un buen puñado de infrafilms con Steven Seagal. Ahora toca el turno de Against The Dark con Steven Seagal de prota (aunque la verdad es que no sale tanto como se supone que sale un prota) y el pequeño revuelo entre fans viene porque se trata de una peli de terror...es más, se trata de un film gore!

Viendo los primeros minutos del film uno parece estar ante el nuevo film de George A. Romero (gente infectada por todos lados, caos urbano, gore a saco) pero en cuanto aparece Seagal espada en mano ya sabemos que cualquier parecido con el cine de Romero es pura casualidad...o no, porque el film tiene casi todos los tópicos del cine zombi (tanto moderno como ochentero) aunque aqui se trata de vampiros (si, pero vamos, son como los zombis pero con colmillos). Asi nos encontramos con una urbe caotica llena de muerte y destrucción (aunque en realidad la mayor parte del film se situa dentro de un cutre edificio) y los típicos supervivientes que tienen que huir del peligro. Bien, ¿Y que pinta Seagal aqui en medio? Pues la verdad, poco. Nuestro entrañable mastuerzo con coleta se pasea por el metraje espada en mano soltando alguna que otra frase ultratrillada y liquidando vampiros a espadazo limpio. El problema del asunto, del film, es que no hay guión, ni director ni nada que se le parezca. Steven Seagal parece moverse por control remoto (y cada dia está más gordo el cabrón!) y creo que la película no ha debido de costar más de cien euros!

Mucho gore, eso si, pero FX cutres, decorados cutres, actores cutres y todo de saldo. Demasiado pobre hasta para el poco exigente mercado del DVD.

Una pena que un mito como Steven Seagal (también productor del engendro) se vea obligado a ganarse las habichuelas con subproductos tan aburridos y soporíferos. Hasta el ultragore alemán tenía más interés que esto!

By Carlos Serrano

BIGGLES, EL VIAJERO DEL TIEMPO (1986)

En 1932 W. E. Johns creó a un héroe de la aviación británica que se haría muy popular en la literatura y el comic, su nombre era Biggles. El salto a la gran pantalla no le llegó hasta muy tarde, bien entrados los 80, cuando se le presentó la oportunidad de disfrutar una última aventura en la edad del plástico y las hombreras. Si un jugador de rugby como Flash Gordon podía hacer un touchdown en el lejano planeta Mongo y He-Man podía venir con toda su trouppe de bárbaros a la Tierra del siglo XX, ¿porqué no iba a poder un piloto de la Primera Guerra Mundial conducir un helicóptero y hacerse colega de unos punkies?

La película empieza con un plano aéreo de Manhattan mientras diversos relámpagos caen sobre los títulos de crédito y a uno le da la sensación de que alguien ha metido el dedo en un enchufe. La historia nos cuenta como, tras la visita del Comandante Raymond del Servicio Secreto Británico, el joven Jim Ferguson descubre que tiene una alma gemela en el tiempo, un piloto de combate que se apoda Biggles y que lucha contra los alemanes en la Primera Guerra Mundial. Cada vez que la vida del aviador corre peligro, Ferguson salta en el tiempo para ir en su ayuda, de tal forma que se ve obligado a enfrentarse al ejército alemán e intentar desbaratar la creación de una superarma sónica que podría cambiar el curso de la historia.

Suena ridículo, ¿verdad? Pues es una suerte que la cinta no intente darle sentido a tanta burrada, ya que resultaría inútil y probablemente, tedioso. Hay una escena en la que el Comandante Raymond le quita hierro al asunto comentando: “Viajar a través del tiempo no es algo imposible, hay pruebas evidentes de que sucede más a menudo de lo que uno se figura.”, y con eso a la película le basta. Hoy por hoy, a mí también.

El filme más taquillero de 1985 fue Regreso al futuro, un dato que no nos pasa por alto. Si Ferguson tiene una alma gemela en el tiempo, yo creo que también la tiene en la película de Robert Zemeckis, al igual que varios personajes y más de una situación. Al joven lo interpreta Alex Hyde-White, actor que ha hecho papeles secundarios en películas como Indiana Jones y la última cruzada y que ha protagonizado aquel calamitoso telefilme que produjo Roger Corman sobre Los 4 Fantásticos. Completan el reparto Neil Dickson, Fiona Hutchison y Peter Cushing. Destacar que la cara de este último es lo único que está bien iluminado en la película. Tras la cámara encontramos a John Hough, realizador británico que ha dirigido títulos como La leyenda de la casa del infierno, Drácula y las mellizas y Aullidos 4, y que en su momento incluso llegó a encargarse de la única aproximación de la Disney al terror; The Watcher in The Woods.

Biggles, el Viajero del Tiempo es un filme pobre en recursos, ya sean exteriores, vestuario, personajes o ambientación. Pero la trama es lo suficientemente interesante y desenfadada como para atrapar al espectador. Hay viajes temporales, guaridas secretas, combates de aviación, tiroteos, un arma misteriosa y algo de humor. Elementos que han funcionado bastante bien en infinidad de ocasiones y que aquí también funcionan, pero solo por un rato.

Lo que empieza como el canto de cisne de una estrella olvidada de la literatura y el cómic, acaba como un ronquido sordo. La película no aguanta bien el tipo y se vuelve estúpida y fea. A medida que avanza la acción los protagonistas empiezan a parecer secundarios, los secundarios desaparecen, la trama despliega una comicidad forzada y exagerada y las situaciones absurdas aumentan. Como cuando roban un helicóptero, y Ferguson queda colgando en el exterior del aparato, no sabemos muy bien ni por qué ni para qué. Ferguson exclama: “¡Déjeme entrar!”, mientras que Biggles por su lado le pregunta: “¿Por qué no entra de una vez?”. Así que aparte de conseguir unos bellos planos de un tipo colgado de un helicóptero sobre el Río Támesis, no sabemos que más pretende la escena. Stanislas Syrewicz, por su lado, se encarga de componer una banda sonora totalmente inadecuada y molesta. No creo que el arma sónica alemana pueda competir con un hit como Do You Want To Be A Hero.

Y qué decir del final, esa resolución torpe, ridícula y triste, ante la cual los personajes se muestran incrédulos. ¿En qué estaban pensando? Einstein solía decir que Dios no juega a los dados, pero está claro que esta película sí lo hace. Se me ocurre que John Hough necesitaría de un gemelo temporal que viajara en el tiempo para impedirle rodar este descalabro. En la última escena, la cinta contiene un chiste final a lo Indiana Jones que aun tiene su miga, pero mucho me temo que a estas alturas de la película ya no hay salvación.

La frase: “Si Alemania descubre un arma que le permita abrirse paso a través de las líneas aliadas, es probable que gane la Primera Guerra Europea. Como comprenderá el curso de la historia cambiaría y usted quedaría anclado en 1917 como un huérfano en el tiempo. Y solo Dios sabe lo que nos pasaría a los demás.”

Y que conste que esto no lo dice el Dr. Emmett Brown, sino Peter Cushing.

By Cecil B. Demente

FRITZ, EL GATO CALIENTE (1972)

Robert Crumb es algo más que un tipejo libidinoso y sufriente, él es el dibujante underground preferido de América (¡un fuerte aplauso para él!), una pesada etiqueta que ha sobrellevado con humor y autocompasión a partes iguales. En sus historietas acostumbra a mezclar su experiencia personal con clásicos estereotipos del comic, que es una forma tan válida como cualquier otra de lidiar con sus propios demonios (él no hace terapia, ¡dibuja comics!). Hay que tenerlos muy bien puestos para enfrentarse como él lo hace a todos sus deseos, miedos y prejuicios, y hacerlo además de una manera tan cruda. Sus temas más recurrentes son Estados Unidos, la nostalgia, la música, el sexo y las mujeres, y como pueden suponer, estos dos últimos son los que se llevan la palma. Lo primero que me viene a la cabeza al hablar de Crumb es una febril efigie suya haciéndole cosas estrambóticas y/o censurables a una o más mujeres, ¡y qué mujeres! Neumáticas, poderosas, de piernas rollizas y amplias posaderas, nada que ver con las estilizadas hembras que dibuja Milo Manara.

En noviembre de 1965, en pleno auge de la psicodelia y el flower power, Crumb tuvo un mal viaje de LSD en el que su ego se disolvió como una pastilla efervescente, puso el piloto automático y no paró de dibujar durante medio año. La mayoría de sus personajes más populares vieron la luz en aquella época oscura, de ahí datan, por ejemplo, Mr. Natural, Flakey Foont, Angelfood McSpade y el gato Fritz, mi preferido. Las historietas de este último se caracterizan por parecer dibujadas sin un guión previo ni ningún tipo de estructura, donde todas sus viñetas tienen el mismo tamaño y quedan perfiladas por una temblorosa mano que da cierta sensación de inacabado e improvisado. A eso hay que sumarle que el hilo conductor de la historia se desdibuja frecuentemente y la narración adquiere en algunos puntos un tono bastante onírico. Algo que Crumb, como buen narrador que es, sostiene sin que se le vaya la pinza ni que la cosa pierda interés, se haga demasiado rara, soporífica o autocomplaciente.

La película nos cuenta la historia de Fritz, un joven felino y sofisticado universitario que vive en una moderna superciudad de millones de animales… pero con modales y moral parecidos a los de la gente. La acción transcurre en los años 60 y Fritz es una caricatura del típico beatnik de la época, de ahí que vista jersey de cuello alto y sea tan proclive a la holgazanería, al vandalismo y al desenfreno sexual (una joya de minino, oigan). Gracias en parte a que su director, Ralph Bakshi, lleva la historia en varias ocasiones por derroteros que poco en común tienen con el comic de Crumb, la narración puede resultar por momentos algo confusa y la cinta se resiente a veces de una falta de ritmo importante. Ahí está, por ejemplo, la inclusión totalmente innecesaria de una pareja de policías porcinos que como personajes cómicos resultan de lo más triste.

Visualmente, por el contrario, la cinta no está exenta de cierto encanto, destacan esos escenarios suburbanos tan decadentes y oscuros que el director nos muestra con un psicodélico juego de luces y acompañados por una acertada banda sonora, sabia mezcla de ritmos beatniks, soul negro y algún que otro éxito pop. Al Bakshi de aquella época le salían las obras de culto como churros y no tardaría en volver a mostrarnos su amor por la música en la muy interesante American Pop (1981), un lisérgico viaje filmado con técnicas de Rotoscopia, método creado por la casa Disney que da cierto realismo a la animación y que el director ya había utilizado en su muy friki versión de El señor de los anillos (1978). De la que también deberíamos hablar es de Tygra: hielo y fuego, fantasía bárbara de 1983 con la que Bakshi uniría sus fuerzas a Frank Frazzeta, Gerry Conway y Roy Thomas (muy tonto no debe ser este señor, la verdad), y con el que conseguiría el que puede ser su mejor trabajo.

El gato caliente, aunque tiene el dudoso honor de ser la primera película animada calificada “X”, es un quiero y no puedo que no le hace sombra al comic del que proviene, que resulta demasiado torpe y soso, y que a duras penas se salva de la quema por ese fascinante savoir faire underground que tiene el personaje. Robert Crumb ha lamentado siempre que su nombre se viera implicado en tal proyecto, tanto es así que realizó un comic en el que una enloquecida avestruz armada con un picador de hielo, mataba definitivamente al gato más enrollado de América.

La frase: “¿Porqué un gran actor como Sydney Poitier siempre tiene que hacer de negro?”

By Cecil B. Demente